Call for papers


Troverete qui call e richieste di contributi di istituzioni e comitati scientifici, a livello internazionale.


CFP: Dance and the Process of Indigenous Identification, SAM, Virtual, June 2021 

Dance Interest Group of the Society for American Music
Historical and ethnographic investigations of Indigenous cultures have long been a central facet of American music studies. In recent years scholars have begun to interrogate the colonist legacies of these endeavors, initiating what Jessica Bissett Perea and Gariel Solis describe as a “subtle shift” to intellectual frameworks written “with, by, and for” Indigenous Peoples. Examining the role of dance and movement in the complex and often contradictory processes of Indigenous identification can do much to challenge the myths of settler colonialism as well as call attention to the marginalization, and even absence, of the embodied knowledge of Indigenous Peoples in studies of American music. We seek panelists to discuss dance’s role in both the formation of local identity and the perpetuation of myth in appropriative and non-local performances of Indigeneity.
The Dance Interest Group of the Society for American Music invites proposals for 10-minute informal presentations to be delivered virtually via Zoom. We welcome topics including but not limited to:
  • Critical studies on dance and movement and the process of Indigenous identification
  • Choreography and Indigenous epistemological frameworks
  • Historical and ethnographic approaches to Indigenous dance and movement
  • Cultural and or popular representations of Indigenous dance
  • Dance and movement as sites of colonial encounter
  • The role of dance in strategies of resistance, revival, and sustainability
  • Pedagogical approaches to local dance

The goal of our session will be to counter colonialist narratives that have defined Indigeneity, amplify Indigenous voices, and explore the density of Native American cultures. We seek 350-word abstracts, which may be submitted to co-chairs Natalia Perez and Nate Ruechel at nap3pq -at- no later than February 21st, 2021

CALL for Submissions, Special Guest Edited Issue of Dance Research Journal, "Queering Dance Modernism: Sexuality and Race on Stage"

Compared to the queer sexual biographies of many protagonists of dance modernism, very little scholarly attention has been given to what might be called the queer aesthetic of their performances. This aesthetic is part of a gestural revolution that restored dance’s psycho-social and political rel- evance, not least through the circulation of sexual energies. A queer reading of dance modernism therefore requires more than the revelation of the sexual lives of performers or the uncovering of hidden meaning in dance works as being about same sex relationships. Queering dance modernism means to chart out how moving bodies enacted, demonstrated and fabricated new intimate and social relations, and how they imagined forms of often cross-temporal gendered habitus and desire. Yet, as queer theory has underlined, sexuality is always intersectional, and many modernist per- formances of gender and sexuality were articulated through corporeal fantasies of race. Serving as surfaces onto which such fantasies were projected, dancers and dancing bodies became contested ground in both colonial and sexological politics.

This special issue of Dance Research Journal invites submissions to work on a timely yet still under- researched field: queer and ethnic modernism in dance. It flags the productive confluence of dance studies, queer theory, and critical race studies in re-engagements with modernist performance. How might historical queer activisms and sexological research of the early 20th century inform an aes- thetic theory of modernist dance? How might the racial masquerades of so many dancers be criti- cally reassessed from a queer perspective? How were queer subjectivities and relations performed and enacted on a variety of stages, from high art to the popular and the so called ritual? How can the question of desire be integrated into the network of global modernities, as lived desire between international actors in the field, as well as through acting out queer desires (of otherness) in dance? How did early queer aesthetics rely on Orientalist, primitivist and exoticist tropes? How was (queer) sexuality policed or stimulated in state discourses – colonial, imperial, nationalistic or other? And lastly, how can dance studies enter into a productive encounter with methods from queer and critical race studies and account for the different affects – desire, melancholy, empathy, pain – at work in historiography, as articulated by Elizabeth Freeman, Heather Love, José Esteban Muñoz, Saidiya Hartman and others? What is at stake here for us as contemporary researchers? How do we navigate between critical and reparative approaches to the archive? How do we account for archival violence against non-normative bodies at the same time as conjuring up their utopian potential?

The editors of Queering Dance Modernism: Sexuality and Race on Stage encourage submissions investigating these questions from a variety of perspectives with examples stemming from all kinds of locales.

Final deadline for submissions: March 1, 2021.
Approximate length: 6,000 words (not including notes and references)
Submissions should be uploaded to: <>
Inquiries to: Lucia Ruprecht ( and Eike Wittrock (


INTERNATIONAL CONFERENCE: Women and music in the early modern age, Queluz National Palace, July 2nd - 4th, 2021


Divino Sospiro – Centro de Estudos Musicais Setecentistas de Portugal 

Scientific Committee:
Cristina Fernandes, Giuseppina Raggi, Iskrena Yordanova,
Ricardo Bernardes, José Camões, Francesco Cotticelli, Paologiovanni Maione


The 9th international conference at the Queluz National Palace organized by DS-CEMSP aims to investigate the role of women in the musical and theatrical worlds of the early modern age, with special reference to the 17th and 18th centuries.
Theatrical practices favoured opportunities and emancipation processes which played significant roles in the imagery of and the stage production themselves. It is equally important to mention the patronage and the encouragement given to the performing arts by female sovereigns and nobles, who intended to promote the dialogue and the reflection between different contexts. Differences can be found in the educational methods, distinctions amid theory and practice or between the amateur and the professional milieu, yet they often merged to produce events destined to leave their mark on history.
The conference promotes research into the careers of women as impresarios, singers, actresses, composers, no matter how resounding their activity was in their heydays. Emphasis is also placed on their travels, contacts, and repertoires, and on the strategies adopted by female patronage in order to support the organization (and the memory) of theatrical and musical events throughout the continent.


  • Female performers: singers, instrumentalists, dancers and impresarios. Their roles and repertoires.
  • Female composers, librettists and choreographers.
  • The feminine in music: women as subjects in the musical literature.
  • Women as music and theatre patrons. Political uses of female musical patronage.
  • The importance of music in the education of aristocratic and royal women.
  • The female public.  
  • Women as music collectors.
  • Women and music sociabilities.

Scholars are invited to submit individual proposals. Each paper shall not exceed 20 minutes. Session proposals will be accepted as well: a maximum of three or four papers will be taken into consideration, and the session should not exceed 1h30. 

A selection of the presented papers will be published in our book series Cadernos de Queluz by Hollitzer Verlag (Vienna). (

Official languages of the conference are Portuguese, English, Italian, Spanish, and French.

Abstracts in Word format (.doc), should not exceed 300 words.

Please enclose in the same file a brief curriculum vitae of 150 words max., providing your name and surname, postal address, e-mail and telephone number, as well as your institutional affiliation. Please indicate to which topic your proposal belongs

Deadline for sending abstracts is March 1st, 2021


The scientific board will examine all the abstracts by March 15th, 2021 and contributors will be informed immediately thereafter.

Danse et textualités : qu’est-ce qui fait texte en danse ?

les 24 et 25 juin 2021, au Centre national de la danse – CND (Pantin)

Cette rencontre scientifique, organisée par l’Atelier des doctorants en danse, sera consacrée aux relations entre danse et littérature : comment les outils issus de l’analyse littéraire peuvent-ils informer, voire renouveler l’étude des pratiques textuelles et scripturaires développées à partir de et pour la danse ? En raison de la situation sanitaire, il est possible que la tenue de ce colloque soit repoussée et/ou qu’il soit repensé sous une forme numérique.

Propositions à envoyer avant le 4 avril 2021.

Si ce colloque a pour but de faire se rencontrer les études en danse et les études littéraires, son objet s’attachera plus précisément à examiner les multiples acceptions et manifestations des textualités en danse. Il s’agira de porter un regard analytique et critique sur les diverses opérations menées par les activités de recherche, de réflexion et de création artistique pour se saisir du texte comme objet et outil commun à de nombreuses pratiques d’écritures littéraires et gestuelles.

À cet égard, nous nous intéresserons à la manière dont se répondent diverses approches – analyse de discours et de texte, outils stylistiques, analyse du mouvement et des œuvres chorégraphiques, pratiques d’entretien – qui nourrissent l’étude de corpus situés à l’intersection de ces champs disciplinaires : écrits de danseurs, essais, textes critiques, scénarios ou « scores » qui fournissent un canevas à la composition chorégraphique ou sont directement intégrés à l’œuvre scénique. Parce qu’ils apparaissent comme un questionnement de recherche et de création récurrent, nous souhaiterions interroger ici la déclinaison de ces passages – du geste dansé à l’écriture textuelle, des méthodologies littéraires aux études en danse – afin de mettre au jour les opérations et les démarches par lesquelles nous procédons pour organiser la rencontre de ces diverses perspectives. 

De ces interrogations émerge un premier axe de réflexion, focalisé sur les questions d’écriture et de textualités, qu’il semble aujourd’hui nécessaire de soumettre à la problématisation dans un champ chorégraphique nourri par des pratiques notationnelles, compositionnelles et scripturaires qui mobilisent ces termes sous diverses acceptions. D’une part, nous pouvons les appréhender selon une logique scripturale, afin d’envisager les opérations de mémorisation et de conservation, mais aussi de transmission et d’élaboration des savoirs dont elles participent. Cependant, l’écriture comme outil de codification et de rationalisation[1] se heurte à des expériences langagières qui privilégient la vocalisation et la parole, aussi bien à travers l’expérience somatique qu’à son sujet, tant sur scène qu’hors scène. Partant, peut-on comprendre l'écriture de et pour la danse comme productrice de récits et de fictions, et dès lors envisager le mouvement lui-même comme narration et énonciation potentielles ?

Il conviendra de s’interroger sur la manière dont les danseurs s’emparent de ces notions particulièrement transversales d'écriture, de parole et d'énonciation – qu’il s’agisse de souscrire à l’imaginaire littéraire qu’elles véhiculent ou d’en façonner de nouvelles appropriations, notamment au travers et à partir des pratiques textuelles et scripturaires qui émergent dans le champ de la danse[2]. Quels sont la place, le statut et les fonctions du texte en danse, tour à tour ferment d’imaginaire, matériau créatif ou concept métaphorique et inducteur de nouvelles pratiques ? Comment se définit-il dans ce contexte et quelles valeurs lui sont associées ?

Cette première piste de réflexion invite ainsi à des communications mettant en avant une présentation réflexive et méthodologique d’une recherche, dans lesquelles l’analyse d’un corpus viendrait illustrer les questions et les démarches mobilisées par le chercheur face à son objet d’étude. Quelles sont la pertinence et la finalité de l’usage des outils littéraires (qu’ils appartiennent à des démarches strictement formalistes, ou bien plutôt sociologiques et anthropologiques) face aux textualités propres aux pratiques de danse ? Conservent-ils leur potentiel analytique, ou ces opérations de transfert mettent-elles en lumière leur malléabilité et leur indétermination ?

D’autre part, nous interrogerons le statut du texte en danse, ainsi que sa possible indépendance lorsqu’il se distingue des pratiques chorégraphiques tout en y demeurant étroitement lié par des phénomènes d’intermédialité. Comment s’opère le passage du mouvement à l’écriture, ou des mots aux gestes, et de quels outils d’analyse littéraire dispose-t-on pour étudier cette transposition ? En somme, comment ces objets textuels peuvent-ils être approchés avec une sensibilité littéraire qui leur est parfois déniée ?

Nous questionnerons ici les spécificités des différentes formes de traces écrites de la danse (critiques chorégraphiques, notes d’intentions, récits et fictions d’artistes, etc.). Peut-on les traiter pareillement et avec les mêmes outils que tout texte littéraire ? Dans une temporalité inverse, l’écriture peut préexister à la danse, le texte acquérant alors le statut d’une étape préalable à la chorégraphie. De là, quelles pratiques de lecture littéraire peuvent être mobilisées pour étudier des textes plutôt destinés à une lecture chorégraphique, voire à une transmission orale par les pratiques de mise en voix ?

Finalement, cette étude des complémentarités et des continuités entre texte et danse nous conduira à examiner le déplacement de l’artiste d’une pratique à une autre. Si la danse peut être mise en mots, et ainsi tendre vers la littérature, comment le statut des auteurs de textes de danse détermine-il la lecture que l’on en produit ?

Cette rencontre est donc volontairement ouverte à une multitude d’objets de recherche, afin de repenser ensemble les outils et démarches dont nous disposons pour nous emparer de ce qui fait texte en danse, et ce quel que soit notre ancrage disciplinaire.

Références indicatives

Consulter la liste des références indicatives sur :  


Membres du comité scientifique :

Laurence Corbel, maîtresse de conférences, Pratiques et Théories de l’art contemporain, université Rennes 2.
Clément Dessy, chercheur qualifié FNRS et maître d’enseignement à l’Université libre de Bruxelles (Philixte).
Alice Godfroy, maîtresse de conférences, Centre Transdisciplinaire d’Épistémologie de la Littérature et des arts vivants (CTEL), université Côte d’Azur.
Philippe Guisgand, professeur des Universités, Centre d’Étude des Arts Contemporains, Université de Lille.
Magali Nachtergael, professeure des Universités, TELEM - Modernités, Université Bordeaux-Montaigne.
Lucille Toth, Assistant Professor, French and Italian department, The Ohio State University-Newark.


Modalités de soumission

L’Atelier des doctorants en danse souhaite favoriser la pluridisciplinarité. Tous les jeunes chercheurs ayant pour objet de recherche la danse, les pratiques chorégraphiques, et/ou les pratiques textuelles sont invités à soumettre une proposition de communication.

À travers un premier document anonyme, contenant :

  • un titre de communication
  • une proposition de 1 500 signes maximum
  • une synthèse de communication de 400 signes maximum


Et un second document contenant :

  • une biographie de 400 signes maximum
  • votre/vos discipline(s), votre sujet et année de thèse, le nom de votre/vos directeur(s) de recherche ainsi que votre/vos université(s) et laboratoire(s) de rattachement.


Les informations demandées ci-dessus sont à fournir dans deux documents distincts.

Les soumissions sont à remettre pour le 4 avril 2020 à l’adresse suivante :


Après réception, lecture et sélection des propositions par le comité scientifique, vous recevrez la réponse pour acceptation par courriel.

Une proposition du comité de l’Atelier des doctorants en danse :
Céline Gauthier, doctorante en danse et ATER à l’université Côte d’Azur.
Lucas Serol, doctorant en littérature comparée à l’université de Strasbourg et ATER à l’université Paris 8.
Plus d’informations sur l’Ateliers des doctorants :

Call for Papers A Special Issue of Dance Chronicle: Critical Institutional Studies

Edited by Olive Mckeon and Clare Lidbury
Deadline for submissions: June 1, 2021 
Contact email:, 

We will be editing a special issue of the journal focused on the systematic inquiry into the workings of dance institutions. “There is more to dance than meets the eye,” as Sally Banes began the introduction to a sequence of articles within a 2002 issue of  Dance Chronicle titled, “Where They Danced: Patrons, Institutions, Spaces.” Banes noted that this collection of articles explored what she called “critical institutional studies,” or research that considers the institutions and patrons that form the conditions of possibility for dance practices. Nineteen years later, we wish to return to the questions that Banes posed and to reflect on how dance studies has developed frameworks for the political economic analysis of dance in the last two decades. Banes cited the influence of institutional critique in the visual arts, the rise of museum studies as well as “a long tradition of left-wing art criticism—especially Marxist criticism” on emerging inquiries in dance studies. We invite contributions addressing the institutional location and economic context of dance practices from a range of genres, time periods, and geographic locations. Articles may address, but need not be limited to, subjects such as: 

  • How does access to money, space, and time influence choreographic aesthetics?

  • How do artists of color navigate the agendas of white funders?

  • How do artists in post-colonial contexts navigate funding sources from former colonial powers?

  • How can the widespread circulation of diversity, equity, and inclusion discourses be deepened or challenged in light of their institutional functions?

  • How can practices of “institutional critique” in the visual arts inform dance practices and research?

  • How can methodologies of “workers inquiry” provide insight into labor struggles within educational dance departments and cultural organizations?

  • What can the perspectives of part-time and contingent workers illuminate about institutional politics?

  • How have dance venues positioned themselves in relation to urban redevelopment, gentrification, and land use struggles? 

  • How have dance institutions been erected from different sources of money—for example, public funding, private funding, land rent, surplus value, debt, accumulated wealth from chattel slavery?

  • How are dance funding and university endowments imbricated with fossil fuel investments and energy infrastructure?

  • What roles have clients, johns, and sexual patrons played in the economic structure of dance institutions (Paris Opera, for example)?  

  • What are the merits of different theoretical frameworks (e.g., Marx, Adorno, Bourdieu, Foucault, Moten/Harney) for critical institutional studies?

  • What forms of lateral power exist within cultural and educational institutions for dance?

  • How can abolitionist politics inform the analysis of dance institutions?

Submission Instructions: All manuscripts will receive double-blinded anonymous peer review. Manuscripts, 6,000–10,000 words in length (inclusive of footnotes and endnotes), may be submitted any time before June 1, 2021.  Dance Chronicle follows the Chicago Manual of Style. Please submit manuscripts through the Taylor & Francis Submission Portal. 

Weblink to CFP --  Dance Chronicle: Critical Institutional Studies at